据赫斯特回顾 ， 在刚开始着手画樱花时 ， 他参考了很多画册和照片 ， 并用粉色和白色颜料调出了想要的樱色 。 没承想 ， 最初画出的樱花却是清丽有余 ， 力度不足——甚至有点像对大卫·霍克尼水彩画的粗糙模仿 。 这可太糟糕了 。 后来 ， 他开始细心观察街上的绿叶树 ， 发现在光线的照射下 ， 叶片间的色彩比印象中纷繁得多 。 他开始在画面中加进红色、黄色、橘色、绿色、蓝色 ， 用多重色彩进行一层层堆染 。 最终 ， 在不同色彩形成的对比效应下 ， 理想中“真切”的樱花出现了 ， 且殊途同归般地带有着他此前作品中的抽象意味 。 那些画面仿佛在具象和抽象中搭建了桥梁 ， 是让他十分满意的成果 。






听到这段叙述也觉有趣 ， 那种在街道上观察植物的状态 ， 确实不像是以前的赫斯特了 。 可再想想 ， “创造规则 ， 再观察到自然的某种无规律状态 ， 由此打破规则 ， 最终达到理想的无序” ， 这样的创作逻辑 ， 其实是深度匹配着赫斯特一贯的方式的 。 真正的无序 ， 总需要刻意的矫正与修饰才能达成 。
和“视觉糖果”系列的小画幅不同 ， 赫斯特画出了与现实等比例的樱花 ， 让人们恍如看真的樱花树一般看画 。 这个想法听上去十分淳朴 ， 却也和上述所有努力一样 ， 帮助赫斯特通向了他理想中的真实 。



因此 ， 当我们认真面对着这份真实 ， 断绝旁骛地将专注之心埋进这些樱花中时 ， 就会得到一种极为真实的体验 。 这是不被干涉、不期得道、不需憬悟的自然状态下获得的体验 。 和大卫·霍克尼无关深刻却用绝对的自在回归到表达本质的风景画一样 ， 我们也不必过多地剖析这些樱花 ， 就像欣赏十九世纪的大师们在巴黎郊区画出来的名作一样 ， 那亦是“真实”“纯粹”的画面 。 因为真实 ， 所以纯粹 。 对欣赏者来说 ， 从心底用最大程度的坦然接受这份纯粹 ， 就此融进画面 ， 捕捉到一份隐秘的自我情感 ， 便是一种极珍贵的获取了 。
描绘樱花的人何其多 ， 与那些赋予樱花以意义的作品相比——就像日本人在樱花飘落中解出消逝之美 ， 再做相关创作 ， 实则是将虚构的樱花强行延展到了民族美学的范围之内 ， 也算“我执”的另一种——与此比较 ， 赫斯特在做的 ， 只是在自我留存的前提下 ， 把樱花描绘得单纯、美丽又“空洞”（非贬义） 。



从另一个角度来看 ， 赫斯特当然知道世人为樱花赋予过的意义 ， 深谙樱花所连接的几多意识形态 。 在此前提下 ， 仍能目中无人地画出这样的樱花 。 就像把樱花的无限可能性远远地抛开 ， 只留下看樱花这件事本身 。 解构结构 ， 瓦解默契 ， 如此的反常规 ， 或说对反常规的逆反 ， 真是相当达明安·霍斯特 。

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